《妈妈咪呀！》世界第一大戏 创造音乐戏剧历史

　　1999年3月23日，音乐剧《妈妈咪呀！》在伦敦首演，迎来了它的第一次也是最具决定意义的演出，那一天晚上的欢呼，出现在了接下来的每一天和每一个制作之中。但在伦敦早春的那个夜晚，演出成功与否却是完全无法预料的。

“我们全然不知观众会不会接受这部戏”，这话是朱迪·克蕾默（Judy Craymer）当时的心理写照。这位创作者早在十年前就想出一个全新的音乐剧创作思路，用ABBA的歌曲，套用一个全新的原创模式来做一部音乐剧。后来她快乐的回忆到，“那晚观众们疯了。他们甚至离开他们的椅子，在过道上歌唱和舞蹈。而且，首演之后的每一个夜晚，都是这样！”

　　如今，这些制作仍在世界各地上演，成为了全球性的娱乐现象。而剧目本身却是基于一个极其朴素的创作方式，这一方式令创作者找到了他们想要达到的目的。这就是以新颖、简洁、富有活力为标准，选取一些人们熟知的ABBA的歌曲，进行个性化的编配。这些歌曲除了保留有完整的流行风格之外，同时还具备成为音乐剧歌曲的重要元素：推动剧情发展，表达故事的思想内涵。

　　虽然在这个制作中，除了歌曲之外什么都没有，但克蕾默的才能在于很早就发现了歌曲中潜伏的戏剧性，而她必须寻找到一种有说服力的故事，让这些潜在的戏剧性能够顺利的表现起来。克蕾默说，“从一开始我就明白《妈妈咪呀！》不能只是ABBA歌曲的集锦或向ABBA致意的剧目”。“这个故事必须像ABBA音乐一样有感染力，并令人感到快乐”。然而，说来容易做来难，克蕾默花费了十年时间寻找这个故事并将它搬上舞台。作为这个剧目的制作人，克蕾默曾在1981年伦敦原版的《猫》中担任舞台经理，那时她只是另一个西区音乐剧大制作中的小角色。后来她加入蒂姆·莱斯（Tim Rice）的制作公司，在那儿，她作为执行制作人，与本尼·安德森（Benny Andersson）和比约·乌尔法厄斯（Bjorn Ulvaeus）合作制作了第一部ABBA解散后创作的剧目――《象棋》，从那时起，她开始了与本尼和比约的第一次合作。

　　对比约来说，《象棋》在百老汇的失败，给她上了重要一课。“在制作完《象棋》之后，我明白了一个道理，正如百老汇所流传的，音乐剧要成功，第一是故事，第二是故事，第三还是故事。歌词要起到让情节向前推进的作用，而大多数的流行歌曲都是静态的，毫无戏剧性可言。”剧作家凯瑟琳·约翰逊（Catherine Johnson）受委任为《妈妈咪呀！》写作剧本，她很幸运地在歌曲中找到了许多戏剧性的内容，确切的说，她找出了故事的情节线索。在不断完善故事内容的过程中，他们发现ABBA早期的歌曲更加纯真、简单和富有青春气息，而后期的歌曲逐渐变得更为成熟和有思考气质。而且毫无疑问，这些歌曲都是女性来演唱的。所以故事被建议设计成为一个关于两代女人之间的故事，也就是一个母亲和一个女儿。比约坚持歌词不能随意的改动，他处理他自己歌曲时也做了同样的要求，“故事比歌曲更加重要”，而对于约翰逊的挑战在于，“无论故事如何发展，我总要回到歌曲中寻找灵感”。她想要避免音乐剧中常犯的错误：“我们可不想在剧中出现观众唱起歌来的情景，这太尴尬和无趣了。我首先是一个剧作家，对我来说最重要的是塑造一个个可信的角色和故事情节，而我一定会努力将故事和歌曲结合在一起。”

　　然后落在克蕾默身上的任务是像所有音乐剧中的制作一样，寻找一个总指挥―――导演。尽管当时菲丽达·洛埃德（Phyllida Lloyd）还从没导演过音乐剧，克蕾默却本能的感觉她就是合适人选，带着话剧和歌剧的背景，洛埃德接受了这个挑战，她知道，只要施展她自己的长项―――帮助演员去塑造角色和讲述故事情节，就不会有问题。这个剧目如果好好下功夫，可能会非同凡响。

　　与其说《妈妈咪呀！》是规划的结果，不如说更多是偶然。克蕾默说，“我很高兴三个女人之间的初次合作就获得成功，而且男人们也不讨厌这部戏。”事实上，舞台上亲密无间的三个好朋友，也反映了创作这部戏的女人们。克蕾默认真的谈到，“我们把自己也当作舞台上的三个女人，因为凯瑟琳就是那种生活上有些混乱的女人，我是一个自我控制力很强的人，而洛埃德是最实干的一位。”

　　而让这个剧目获得成功的秘密，不仅在于创作者本人在舞台上看到了自己，观众也是如此。菲丽达·洛埃德表示，“在卡瑟琳·约翰森精妙构思的故事中，观众似乎有一种特殊的体验，她们在舞台上看到了自己。”在创作的过程中，歌曲被赋予了全新的含义，剧目的主题，是一个关于失去父亲、寻找身份、表现代沟的故事，具有全球性的共鸣。如约翰逊所说，“这里有母亲和女儿的关系，老套的浪漫故事，失去某人后再将他找回的情节。它的内容与每个人都有联系。”这是一个在真实的环境中的真实的人，美妙的流行音乐成为70年代和80年代早期诞生的这一代人的注解，使得这部剧目可以跨越所有年龄和地域。在剧目富有特点的标识画中，传达了一个核心意图：在婚礼这永恒的一天中，充满了欢乐甚至得意洋洋的情绪，这正是剧中所表达的。如同剧目本身一样，《妈妈咪呀！》的宣传画已成为全世界所熟知的标牌。

　　这部剧目还把流行音乐同音乐戏剧很好的结合到了一起，两者以前是相互分离的。事实上，30年代和40年代的流行歌曲就是从音乐剧中发展来的，它们或从百老汇来，或从好莱坞的综艺节目中来。但当流行音乐在50年代和60年代获得独立的发展之后，音乐剧则逐渐与流行音乐脱离开来，以各种方式独立发展起来。《妈妈咪呀！》的制作方式可算不落俗套，但也不算绝无仅有，这部音乐剧重新将流行音乐风格引入音乐剧，让观众在音乐剧中听到了熟悉和喜爱的流行歌曲。

　　克蕾默将剧目的成功首先归功于剧目制作中各个领域的合作者，“正是他们之间产生的化学反应让这部剧得以诞生。制作中的每个部分都充满了不可思议和相互协作的活力”。这包括许多重要的而富有技术含量的贡献，比如道具设计马克·汤普森（Mark Thompson）和灯光设计霍华德·哈里森（Howard Harrison），音响设计（安德鲁·布鲁斯Andrew Bruce）和鲍比·艾特肯（Bobby Aitken），以及编舞安东尼·范·拉斯特（Anthony van Laast）。对克蕾默来说，“每个人对自己所做的音乐、故事和身边的每一个人都充满信心。制作过程中也始终保持着幽默气氛，这可以激发出无尽的能量”。

　　虽然能量应由肾上腺所提供，但像《妈妈咪呀！》这样的剧目，却能令你充满这样的能量。它具有一种特质，将能量从舞台上传到观众中，然后又回传到舞台上，产生一种能量和快乐的循环，令人不断的兴奋和愉悦。

　　正如导演菲丽达·洛埃德（Phyllida Lloyd）所说的，《妈妈咪呀！》是一个比约（Bjorn）和本尼（Benny）从未想过会写的剧目。他们的音乐创造了流行音乐的历史，而我们的剧目则创造了音乐戏剧的历史。

　　马克·申顿（Mark Shenton）是英国星期天快报和BBC伦敦广播和在线上的评论员。同时他还是WHATSONSTAGE.COM网站的特邀编辑，以及BACKSTAGE.COM和THEATERMANIA.COM网站的特派记者。